九游娱乐：《大魔术师》导演刘晓邑“大冒险”
1月18日晚，原创音乐剧《大魔术师》结束连续三天的演出，在北京天桥艺术中心落下帷幕。台前，19世纪伦敦雨雾中，魔术师凯尔在名利与亲情间挣扎，而幕后的导演刘晓邑，同样经历了一场长达三年的创作冒险。从对魔术一窍不通，到驾驭这部融合魔术、戏剧与音乐的高难度作品，刘晓邑坦言这是自己创作生涯至今最难的一部作品。
在全新领域实现从0到1的突破……刘晓邑凭借“杂家”的多面性，开启一段冒险，展开一次创作博弈。
“如果歌唱过去了，魔术没变出来，那就很要命。”2021年，当出品方第一次找到刘晓邑时，他直接说自己“不敢接”。魔术，这个完全陌生的领域让他本能地退缩。音乐剧本身就融合了唱、跳、演，再加上需要精密手法和道具配合的魔术，难度呈几何级数增长。
“我说如果要接，这个戏需要孵化，而且不知道要孵多久。”刘晓邑回忆当时的对话，语气中仍带着谨慎，“如果能做好就上，做不好就只能延期。”令他意外的是，出品方给出了肯定的答案。这个共识成为合作的基础。更让他没想到的是出品方的决心。“这个戏的制作体量差不多是平常小剧场戏剧的两三倍，”刘晓邑透露，“《大魔术师》制作经费够做两三部小剧场戏的了。”魔术需要反复试验、排练，“我们前后换了五六个魔术设计，还专门请了英国皇家莎士比亚剧团作曲家RuthChan加盟，此外，演员还需要进入工作坊反复练习。”最终打动刘晓邑的，正是这种“纯粹是因为喜欢魔术、喜欢音乐剧”的初心，“我觉得他们特别有诚意，也特别坚定，是这份愿力感染了我。”
最大的难题很快浮现：演员在哪里？“谁能既唱得好，又演得好，还能变魔术？”刘晓邑一连串的反问道出选角背后，魔术与戏剧之间的博弈。
为此，剧组做了大量工作坊去尝试，结果比预想的好，关键突破来自一个人的出现，魔术设计师陈治佐。“我们前后试了五位魔术师。”刘晓邑回忆，“前面几位都比较被动，总是问我要什么，然后他们再去找相关的魔术，但陈治佐不一样。”陈治佐是上海的一名话剧演员兼魔术师。作为话剧演员，陈治佐懂戏，知道什么地方该用什么魔术，而且可以找到演员能实操的方案。更重要的是，他背后有一整条产业链：魔术工厂、供应商、道具维护。由此，陈治佐成了戏剧与魔术之间的桥梁。“他会主动说‘导演，这个地方可以变这个魔术’，那个地方可以变‘那个’魔术。”双方的碰撞中，金点子一个个浮现出来。
于是，观众便可以在剧中看到手彩、逃脱、穿刺等不同形式的魔术。“舞台上不起眼的一个摆设可能就是一个魔术机关，比如酒馆桌椅可随时变成魔术装置，而在楼梯下面的黑暗处也隐藏着一把可以抽出的剑……不管是实质性的魔术装置，还是以障眼法迷惑观众的魔术手法，都跟剧情融为一体，给观众耳目一新之感。“这些新奇感离不开魔术设计师对表演和剧情的了解，以及魔术设计的巧思。”刘晓邑说。
“魔术表演最难的就是需要有很强的心理素质。必须通过这种日复一日的‘肌肉记忆’，才使得舞台上的每一次机关触发和手法变换不着痕迹地化为角色下意识的行动。”毫无疑问，掌握这些陌生的技术和技艺是非常困难的。“演员们可谓经历了系统性的魔鬼训练。”刘晓邑说，剧中每位演员不管是在家，还是在排练厅，只要一有空，就在练习魔术，哪怕是等电梯，手里的“活儿”都不停。
戏剧、音乐、舞蹈、魔术等多重元素在《大魔术师》中有机融合，这些跨艺术门类的创新表达，都离不开刘晓邑的多元艺术背景。他毕业于北京舞蹈学院，大学时就有表演课，大二开始在外面演戏，后来跟田沁鑫导演合作，慢慢转到戏剧领域。“从演员到编舞，再到导演，好像自然而然就做到了。”
在刘晓邑看来，“导演应该是个‘杂家’，不一定样样精通，但都要懂一点。”这句话或许能概括他的创作哲学。“懂舞蹈，和编舞沟通就很顺畅；懂偶戏，和木偶师讨论结构就不会被糊弄。这样和不同门类的艺术家沟通时才有基础，也更容易打开思路。”
《大魔术师》中舞蹈虽然不多，但都是刘晓邑亲自编创。“音乐剧的编舞和纯舞蹈不同，它要服务剧情和人物，动作要和唱词、节拍、情境紧扣在一起。”他强调，“如果你不懂戏，编出来的舞和戏就是两层皮。”
《大魔术师》的故事背景设定在了19世纪的伦敦。“音乐剧需要一点距离感，才会有美感。太近了，日常的建筑、环境可能不够有戏剧张力。”他说，为了更贴合时代与氛围，刘晓邑还把自己常用的舞台意象“雪”换成了“雨”，在下雨效果上做了技术改进，搭建了水循环系统。
《大魔术师》的舞台上，凯尔完成着他的终极魔术。而舞台之下，刘晓邑完成了自己的突破，将一个看似不可能的想法变成了剧场里真实可感的作品。未来是否会继续这样的融合尝试？刘晓邑并未制定长期计划，他用烹饪来比喻自己的创作：“我只是一个做菜的人，而不是一个开餐厅的人，职业导演不该只挑自己喜欢的题材，就像厨师不能只炒自己喜欢的菜。重要的是工作方法，不管题材是魔术、悟空还是别的，创作流程是相通的。”
